Cláudia Varejão nasceu no Porto e estudou realização no Programa de Criatividade e Criação Artística da Fundação Calouste Gulbenkian em parceria com a German Film und Fernsehakademie Berlin e na Academia Internacional de Cinema de São Paulo. Estudou ainda fotografia no Centro de Arte e Comunicação Visual em Lisboa (Ar.Co). É autora da trilogia de curtas-metragens Fim-de-semana, Um dia Frio e Luz da Manhã. Ama-San, retrato de mergulhadoras japonesas, foi a sua estreia nas longas metragens, recebendo dezenas de prémios em todo o mundo, seguindo-se No Escuro Do Cinema Descalço Os Sapatos e Amor Fati. Lobo e Cão, o seu anterior filme, estreou no 79º Festival de Veneza e recebeu o prémio máximo da secção Giornate Degli Autori. Kora, uma curta-metragem documental, leva-a de novo a Veneza. Os seus filmes têm sido seleccionados e premiados pelos mais prestigiados festivais de cinema, passando por Locarno, Roterdão, Visions du Reel, Cinema du Reel, Karlovy Vary, Art of the real – Lincoln Center, Bienal de Veneza, entre muitos outros. A par do seu trabalho como realizadora desenvolve um percurso como fotógrafa e tem sido convidada a dar aulas e workshops em diversas escolas de Cinema e Arte. O seu trabalho, tanto no cinema como na fotografia, documentário ou ficção, vive da estreita proximidade com as pessoas retratadas.

Dryelle Andrade é historiadora, realizadora e educadora, natural de Recife (Brasil) e residente nos Açores. Formada em História e mestrando em Políticas Sociais, atua em projetos que integram arte, educação e cidadania. Dirigiu e roteirizou o curta Maracatu Estrela Dalva: O Som de uma Nação (2022), assinou a direção de fotografia do ensaio Permanência (2017) sobre envelhecimento e Alzheimer, e atualmente desenvolve o projeto Territórios Habitados e Imaginados (PARES 2025), com workshops de fotografia e colagem com estudantes. Dryelle integra o projeto Isto Não É Um Cubo, no Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas.

Eva Pelúcia, nascida em 200, iniciou seu percurso na Escola das Artes da  Universidade Católica Portuguesa, onde exerceu diversas funções. Na licenciatura em Cinema apaixonou-se por diversas áreas do mundo do audiovisual, focando-se na escrita e na realização, bem como em direção de arte e desenho de produção.

Jonathan Uliel Saldanha é músico, artista visual, criador sonoro e cénico. A sua prática artística desenrola-se na interseção do som, gesto, voz, instalação, performance e vídeo, cruzando pré-linguagem, alteridade e ficção científica. Presença contínua na cena experimental portuguesa desde o final da década de 1990, Saldanha fundou o coletivo de arte sonora SOOPA em 1998 e, desde então, tem trabalhado com uma ampla variedade de grupos exploratórios e colaborações. Atualmente, lidera os projetos sonoros HHY & The Macumbas, HHY & The Kampala Unit e o coletivo de percussão Arsenal Mikebe, realizando extensas turnês pela Europa, África e além.

Kateryna Kondratieva é uma artista ucraniana atualmente baseada em Ponta Delgada, Açores. Formada pela Escola de Arte de Odesa (2015–2018), o seu trabalho reflete sobre a relação entre o ser humano e a natureza, a migração e a maternidade. Trabalha principalmente com colagem e aguarela, estuda ilustração e é membro da comunidade Urban Sketchers.

Kolbeinn Hugi é um artista visual nascido na neo-crypto colónia Ártica da Islândia. A partir de diversos motivos do ecofuturismo, da pseudoarqueologia e da cultura da Internet, o seu trabalho visa evocar um modelo alternativo de sociedade, mostrando que o mundo não se manterá tal como é agora. Hugi convida o espetador a imaginar um futuro pós-capitalista, onde a humanidade é uma parte construtiva da ecologia da Terra. O seu trabalho tem sido amplamente exposto em museus de todo o mundo, desde os parques capitalistas de caravanas no MoMA PS1 (Nova Iorque), até aos museus de Lenine, construídos pelos comunistas nas planícies da Sibéria Ocidental.

Laís Andrade é uma realizadora, guionista, artista visual e investigadora brasileira-portuguesa.
A sua obra, inspirada pela migração e autobiografia, inclui My Ray of Sunshine (2024), premiada no festival FUSO 2025 e na exposição MANIFEST (França), sobre a escravatura colonial, tema da sua pesquisa de doutoramento. Realizou Flor de Estufa (2021), sobre imigração ilegal, bem como Ganha Pão (2021) e Diamante (2023). Co-escreveu Como se o mundo não tivesse oeste (2024), com Mónica de Miranda e Ondjaki.

LealVeileby (António Leal, Lisboa, 1976, e Jesper Veileby, Karlstad, 1985) é uma dupla de artistas luso-sueca, sediada em Malmö, na Suécia. Exploram temas em torno da identidade queer e da hibridez, bem como perceções e ideias contemporâneas sobre a realidade, utilizando um enquadramento queer/mágico para reinterpretar os limites do mundo – tanto científicos como políticos, tal como ditados pela nossa forma atual de “mundificação” no mundo ocidentalizado.

Luisa Borges é enfermeira. Tem feito algumas experiências na área de fotografia, das quais resultaram algumas exposições. Nos últimos tempos fez formações breves em teatro e cinema.

Margarida Benevides é licenciada em enfermagem. Mantém-se conectada com a arte através do teatro, da música e da poesia, investindo numa formação contínua formal e não formal. Nos últimos 2 anos participou em vários Erasmus +, em vários países da Europa, que abordaram diferentes formas de arte, incluindo produção de vídeo. Continua a trabalhar como enfermeira na modalidade de freelancer em associações de apoio a toxicodependência, sem abrigo e prostituição, tais como Associação Novo Dia e Umar.

Maria Jorge Martins natural do Porto, vive e trabalha nos Açores desde 2009. Licenciada em Filosofia e Cultura Portuguesa pela UAC. Estudou no Centro de Artes e Comunicação (Ar.Co) em Lisboa, onde fez formação em desenho, pintura, vídeo, som e novos média, como bolseira da Fundação Carmona e Costa. Lecionou no Curso de Cinema/Imagens em Movimento no Ar.Co.

Natural da ilha de São Miguel, Açores, Melrose é uma artista trans transdisciplinar. Licenciada em Pintura pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa, a sua prática artística explora temas como cultura pop, religião, rituais, identidade, ícones, questões de género e, amor, maternidade, feminilidade, padrões de beleza, e natureza. Durante os seus estudos expressou-se através de meios como pintura, escultura, performance, colagem, vídeo, e som. De momento, torna o seu foco na escrita, música, cinema, teatro e design de moda.

Rafaella Antunes, brasileira, reside nos Açores há 2 anos, atuando como bartender e professora de Yoga. Usa a expressão artística para comunicar-se com o todo e tenta manter um equilíbrio coerente entre os dois mundos utilizando a imagem, a colagem e o vídeo.

Rita Bolieiro (1996, Ponta Delgada) é artista visual e profissional de comunicação e media. Com um mestrado em Estudos Flmicos e Fotográficos da Universidade de Leiden (Países Baixos), desenvolve uma prática que cruza a teoria com a fotografia e outras formas de expressão visual. A sua abordagem honra o instinto e a observação atenta. Entre o Sublime e o Absurdo, e no limiar do corpo e do espaço, esse olhar centra-se na fusão inconsciente do sujeito - humano ou não - com a paisagem que o envolve

ro heinrich é artista e investigadora, trabalhando as dimensões da relacionalidade através de linguagens ditas e não-ditas. Através de conversas (gravadas) e colaborações, a sua prática é multidisciplinar, com foco no cinema e na criação editorial. O seu trabalho encena a recusa em separar o (sempre mais-do-que-) humano do não-humano, o mundo do corpo. Explora as paisagens críticas nas margens férteis da neurodiversidade, da filosofia do processo, dos estudos negros e da investigação artística, abordando o nosso presente impasse — no fim do mundo tal como o conhecemos.
ro frequenta um doutoramento em investigação artística com Erin Manning, na Universidade de Concordia (Montreal), sob coorientação de Sher Doruff e Shira Avni. Participa no 3Ecologies Project e em vários grupos de estudo colaborativo. O seu projeto de investigação “we always need heroes¶ — sobre as crises do capitalismo, do nacionalismo e das narrativas patriarcais” — incluiu um filme de 46 minutos e um livro de artista premiado, publicado pela editora Fw:Books.

Sara Massa, nasceu em São Miguel em 2002. É licenciada em Arte Multimédia na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, e o seu trabalho multidisciplinar desafia e questiona as normas sociais pré-definidas através de uma catarse meta-reflexiva, com um toque irónico e, por vezes, humorista. Recorre a vários meios experimentais como o vídeo, a fotografia e apropriação de objetos. Participou em exposições no Arquipélago - Centro de Artes Contemporâneas (2020), na Galeria Brui (2020), no Instituto Superior Técnico de Lisboa (2024) e nas GABAS-Galerias Abertas de Belas Artes (2024). As suas curtas-metragens foram exibidas no FUSO Insular (2021), no Salto Lisboa (2022), no Ciclo de Cinema Académico (2024) e no festival de curtas metragens Ciclope (2023). Atualmente faz parte de um coletivo performático, Casal a dias, onde arrastam a vida real para a prática artística (literalmente).

​​Stephanie Monica, artista de Imagem em Movimento e Som, nasceu em Bruxelas em 1997. Vive e trabalha em Lisboa. Estudou na ZHdK - Universidade das Artes de Zurique, na Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual, na Norwich University of the Arts e na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. O seu trabalho explora temas ligados à (in)comunicação. Foi distinguida com o Prémio FNAC Novos Talentos, o Prémio Arte Jovem Millennium BCP e pela Balaclava Noir. Participou em vários festivais, entre eles o Buenos Aires International Film Festival (BUEIFF)  e o Rota Fest, em Olinda, Brasil. O seu trabalho foi apresentado na Galeria PB27, Carpintarias de São Lázaro e Galeria Zaratan.

Soya the Cow é uma criatura drag feminista, vegana e sex-positive que dança, canta e levanta a voz pela libertação de todos os seres — humanos e não humanos. Quebrando os binarismos de género e espécie, Soya nasceu para inspirar e desafiar o status quo. Luta pelos animais e por todas as vozes silenciadas, enfrentando sistemas tóxicos de opressão com amor, liberdade e uma exigência de justiça climática.

Soya é o alter ego de Daniel Hellmann, artista suíço cuja prática interdisciplinar transita entre a performance, a música, o ativismo e a ecologia queer. Através de Soya the Cow, Hellmann desenvolveu um corpo de trabalho multifacetado que aborda criticamente o veganismo, o especismo e o feminismo, esbatendo as fronteiras entre arte e ativismo, utopia e paródia.

Desde a sua estreia na Marcha pelos Direitos dos Animais, em frente à mítica Volksbühne de Berlim, em 2018, Soya tem-se apresentado em múltiplos contextos artísticos: desde a peça de teatro Dear Human Animals (2020) e o álbum de eletro-pop Purple Grass (2021), a programas televisivos como The Voice of Germany (2021), ao projeto expositivo Planet Moo (2022), ou em performances contínuas nas redes sociais.

Vera Mantero é coreógrafa e intérprete. Tornou-se um dos nomes centrais da Nova Dança Portuguesa, tendo iniciado a sua carreira coreográfica em 1987 e mostrado o seu trabalho por toda a Europa, Argentina, Uruguai, Brasil, Chile, Canadá, Coreia do Sul, EUA e Singapura. O seu trabalho, reconhecido nacional e internacionalmente, cruza diferentes disciplinas artísticas. Leciona regularmente composição e improvisação, em Portugal e no estrangeiro. Fundou em 1999 a estrutura O Rumo do Fumo.

Welket Bungué é artista transdisciplinar, guineense-português nascido na Guiné-Bissau (região de Xitole) em 1988. Reside em Berlim e trabalha artisticamente ao nível global. É co-fundador da produtora KUSSA. Tem uma licenciatura em Teatro no ramo de Atores da Escola Superior de Teatro e Cinema (ESTC) em Lisboa, e uma pós-graduação em Performance da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO). Os seus filmes foram exibidos em: Berlinale; American Black Film Festival Miami (EUA); Africlap Film Festival, Toulouse (França); Zanzibar International Film Festival (Tanzânia); Afrikamera Contemporary Cinema from Africa Film Festival (Berlim); BFI Londres (Grã-Bretanha); Sheffield DocFest (Grã-Bretanha), e no IndieLisboa e DocLisboa, ambos em Portugal.